Reportagem

Dos Beatles até aqui, a história é sempre a mesma: todo jovem quer ter uma banda. Nenhuma geração, até agora, passou sem que grupos de meninos e meninas tivessem o desejo de se juntar a outros amigos e simplesmente tocar. Escrever alguns versos, mesmo que banais ou melosos, e se expressar por meio da música. A referência nem precisa se deter aos britânicos dos anos 60 que, de forma avassaladora, invadiram o mercado americano – embora muitas vezes seja. Em todo caso, foi a partir deles que esse sentimento foi introduzido, e continua vivo, como uma herança de família há décadas preservada. Soa estranho relacionar o frenesi da Beatlemania a um movimento deflagrado nos anos 2000, o caminho entre I Want to Hold Your Hand e História de Verão parece extenso demais e ausente de qualquer conexão, mas o processo é gradual.

Sem qualquer pretensão de narrar aqui uma história do Rock, é preciso antes voltar os olhos para Califórnia dos anos 90. Conhecida como um dos grandes celeiros de bandas Punks dos anos 70, a região também deu origem ao estilo Hardcore dos anos 80, uma segunda onda do gênero anterior. Balanceando melodias trabalhadas com a agressividade que trazia na bagagem, esbarrou na projeção da música Pop americana dos anos 90 e fez nascer o que se costuma chamar de Pop Punk, onde se encaixam bandas como Pennywise, Face to Face, NOFX, Offspring, Green Day e Blink-182 por exemplo. Das seis, as três últimas foram as que despontaram no showbusiness, causando aversão no público que privilegiava o cenário alternativo. Localizado no litoral americano, os verões do estado californiano são quentes, o clima de praia é intenso, a cultura do Surfe é tão forte quanto a do Skate. Tudo a ver com o Brasil, tudo a ver com o Rio de Janeiro.

Aqui no País Tropical, no final da década de 90, o cenário de Rock não era muito animador. O estilo passou a ser trabalho por desvios e misturas, usado apenas como escora para outras vertentes. Contemporâneos de Legião Urbana, Barão Vermelho e Paralamas do sucesso estavam perdendo o fôlego, ainda mais com a partida prematura dos vocalistas das duas primeiras – ambos não resistiram à AIDS. Os que começavam a despontar na mídia tradicional como as vozes da nova fase eram CPM 22 e Charlie Brown Jr., ambos de São Paulo. Na Cidade Maravilhosa, no entanto, o cenário que fervilhava era o underground, este nunca deixou de existir, mesmo abafado pela projeção de grupos de samba, pagode e funk, que sempre tiveram destaque na cultura local, sem contar a MPB, que em todo o tempo garantiu confortavelmente o seu lugar. Mas seus referenciais, assim como os dos paulistas, eram mais a geração californiana, e seus antecessores, e menos a nacional de Renato Russo, Cazuza e companhia. Apenas mais alguns anos de preparação e o grande público da metrópole se abriria novamente para a barulho estridente das guitarras.

*Texto construído a partir do Trabalho de Conclusão de Curso (TCC) intitulado “Esse tal de Riocore: uma grande reportagem sobre o cenário Pop Punk e Hardcore carioca dos anos 2000”, apresentado em dezembro de 2018 à Universidade Veiga de Almeida.

Do underground aos saraus e festivais

Em 1998 Daniel Ferro ingressava na PUC do Rio de Janeiro como estudante de Jornalismo. Na condição de calouro, não teve outra alternativa senão submeter-se ao trote, que foi aplicado por ninguém menos que os integrantes da banda Los Hermanos. Como descobriria em pouco tempo, a universidade se dividia entre duas principais tribos: de um lado os “ripongas” da Casinha, do outro os playboys do Pilots. Essa divisão ordenava o comportamento dos estudantes como um todo, desde as diferenças na aplicação das brincadeiras com os novos alunos — os mais “democráticos” versus os mais provocadores — até o estilo musical das bandas que ali se formavam. No caso, Los Hermanos estavam ligados à Casinha e cantavam músicas mais românticas com letras em português; já o Pilots abarcava bandas como Carbona e WickyKids, que optavam pelo inglês. Todos na mesma pegada Hardcore.

Essa questão do idioma parecia bem resolvida no mainstream, mas ainda era uma discussão no perímetro alternativo. Jorge Junior, 38 anos, mais conhecido pelo apelido JJ, no passado vocalista no WackyKids e guitarrista no Rivets, lembra que a língua estrangeira vinha de modo natural para os compositores dos grupos da época. Isso porque muitos deles tiveram passagens pelo exterior, para morar ou para estudar, e sobretudo por buscarem uma aproximação com seus próprios ídolos — aqueles litorâneos norte-americanos. Estavam cientes das possibilidades que teriam no mercado nacional se abrissem mão do estrangeirismo, mas essa era a verdade deles e não ambicionavam mais do que já tinham. Se não era um problema para os músicos, menos ainda para o público. “A gente tem algumas histórias de pessoas que diziam ‘cara, saber que vocês são brasileiros é o que me motiva a aprender [inglês] um pouco mais, falar, cantar’. Eles traduziam, naturalmente, as letras, mas, por gostarem, eles ficavam loucos”.

Quem quisesse ouvir essas bandas se apresentando tinha poucas opções, uma delas o bar Empório, reduto tradicional da Zona Sul há mais de 30 anos. Na calçada lotada nos finais de semana, frequentadores de faixas etárias e nacionalidades diversas. No primeiro andar, comida e bebida como se encontra em qualquer esquina. No andar de cima, ali sim, atrações quase sempre dedicadas ao Rock. Anunciado como uma minipista de dança, o lugar, nas memórias de Daniel, tinha apenas quatro lâmpadas no teto; um ar-condicionado fortíssimo quando estava vazio, mas que de maneira alguma dava vazão quando cheio; e lotação significava, no máximo, 100 pessoas. Foi nesse espaço minúsculo que ele assistiu ao segundo show de seus veteranos, e por lá também passaram todos os outros grupos da época, aos quais ele também assistiu. Se o Riocore precisa de uma localização como ponto de partida, aqui está: Rua Maria Quitéria, 37, Ipanema – Bar Empório.

Nessa fase, a cena se resumia a aproximadamente 200 pessoas, e quase todos tinham ou haviam tido banda. Eram eles tocando para eles mesmos, quando não para amigos e namorados. O público era muito específico, só quem conhecia procurava. Os discos eles mesmos produziam, quase sempre de forma experimental, o que demandava regravações no futuro, e eram lançados nesses mesmos eventos por preços muito baixos. A linha entre admirador e admirado era tênue, dividida entre não mais que dois anos de diferença entre a formação das bandas. Nesta escadinha, basicamente uma banda influenciou a outra, que influenciou a outra… Como por exemplo o próprio Daniel Ferro que, frequentador de todas as tribos da faculdade, se deixou inspirar pelos artistas com quem passou a conviver e se juntou a Carlos Sagaz (em seguida substituído por Eduardo Tuirow), Juca Rocha e Marcelão para formar em 1998 o Emoponto.

Nos primórdios da banda Forfun, JJ cansou de receber elogios e pedidos dos integrantes para que ouvisse suas demos, e nunca deixou de dar o apoio que podia. Em seus admiradores, se impressionava pelo fato de vestirem, com autenticidade, a camisa do português. O guitarrista e vocalista do grupo, Danilo Cutrim, vivia entrando em contato com Daniel para pedir conselhos de gravação e coisas do tipo e também, porque não, tietar. Dibob era outro nome que se espelhava no Emoponto, e sobre eles Daniel conta uma história engraçada: “Fomos tocar pela primeira vez no Ballroom. O Dibob estava lá para abrir, e eles chegaram nos bastidores super nos elogiando. A gente nem sabia quem eram eles, eu lembro que senti aquela coisa, sabe, aquele ar de superioridade de quem chegou primeiro? A casa estava lotada, pensamos que era para a gente, éramos os mais velhos. Quando subiram no palco, o Dibob foi um fenômeno. As pessoas gritando e cantando junto com eles. Não entendemos nada”.

O baterista não sabia até então, mas havia de fato um fenômeno acontecendo, e ele não atendia necessariamente pelo nome deste ou daquela banda. No início dos anos 2000, os colégios particulares tradicionais da cidade carioca transbordavam em saraus. Santo Agostinho, Bahiense, São Bento, Corcovado e Santo Inácio compõem uma lista que poderia ser imensa. Os objetivos das escolas variavam da arrecadação de dinheiro, posteriormente doado, até o simples incentivo na formação cultural de seus alunos, que em segundos passavam de coadjuvantes a protagonistas, de estudantes a artistas. A iniciativa e organização partia tanto deles quanto de seus coordenadores e diretores. As famosas panelas que pouco interagiam umas com as outras no decorrer do período letivo, nessa hora, passavam a partilhar gostos e trocar experiências. Os talentos relevados não eram somente dos matriculados, mas também de ex- alunos, que para lá voltavam como convidados com a “moral” nas alturas, eram motivo de orgulho. É assim que aparece na memória de Bernardo Pereira, o Miguel, sobre as ocasiões em que voltou ao Santo Inácio junto ao amigo André Fialho, o Dedeco, para marcar presença com a banda que lá mesmo formaram, o Dibob.

Da mesma forma que eles, muitos se juntavam com intuito de fazer uma única apresentação, registravam uma composição própria apenas porque era item obrigatório no momento da inscrição, e no final acabavam dando continuidade tamanho o prazer. Ter vínculo com a instituição não era critério, e todos os ritmos eram bem-vindos, do Reggae ao Heavy Metal, mas o Pop Punk — ou Hardcore melódico, dependendo dos critérios de quem quiser rotular — se tornou o queridinho da galera. Os versos retratavam o romance e a rotina da vida dos autores, que não era muito diferente da realidade de seus fãs, e eram quase sempre bem- humorados. Até mesmo os nomes das bandas denunciavam que estavam ali para se divertir antes de qualquer coisa. O alvoroço foi tanto que, em setembro de 2004, a revista Veja Rio produziu uma pequena reportagem sobre o tema, a qual intitulou Escolas de Rock. Além de Forfun e Dibob, estavam biografados na matéria Hill Valleys e Emoponto. Este último, como bem recorda Daniel, teve chance o suficiente de aproveitar a tendência, mas chegou um pouco atrasado. Os mais novos já estavam consagrados como as grandes estrelas.

Esses eventos foram o primeiro divisor de águas. O que aconteceu a partir disso, aí sim, passa a ser considerado um movimento, ainda que involuntário. Antes, era um universo escondido, particular, compartilhado exclusivamente entre músicos e aspirantes a músicos. De repente, passou a ser de todo mundo. Talvez nem as bandas imaginassem que agregariam tantas pessoas em torno si, que conquistariam uma legião de fãs, um público fiel e apaixonado, sem ao menos terem uma canção tocando no rádio — alguns já, outros não ainda. Os palcos modestos das escolas se tornaram pequenos, a quantidade de expectadores demonstrava sinais de que comportava espaços maiores que pátios e quadras. Àquela altura, os jovens artistas já se apresentavam em festivais criados anteriormente a eles, de pequeno ou médio porte, nas escassas — e quase sempre precárias — casas de show da cidade, onde as próprias escolas inclusive tiveram de alugar algumas noites para seus eventos, mas faltava o que viria deles para a frente. Muitos foram os festivais que nasceram em torno dessas bandas, mas dois deles saltam aos olhos e são lembrados ainda hoje: Rio Summer Nights e Rio Rock Tour.

O primeiro foi criado pelo produtor Guilherme Araújo, 36 anos. Quase 20 anos atrás, ele tinha acabado de completar a maioridade e já ostentava um vasto currículo em eventos para adolescentes. Grande parte dos promoters das matinês que ele produzia eram também integrantes de banda, o que o levou a perceber a efervescência de um circuito. Ele já frequentava eventos do tipo e colaborava com os saraus de escola que aconteciam fora das instituições, até que um dia foi convidado a ir a um show do Forfun na Casa Amarela, em Copacabana. Não havia mais 40 pessoas naquele salão, mas todas cantavam e pulavam enlouquecidamente, sem se importar em nada com a desafinação do vocalista. O carisma dos artistas e o delírio da plateia fez com que ele sentisse o desejo de promover espaços para grupos como aquele.

Passou pelo Garden Hall, Clube Hebraica, Hard Rock Café, cada vez mais lotando espaços. O Rio Summer Night, contudo, só veio a nascer realmente quando a festa aterrissou

no clube Scala. A ideia era reunir numa única noite o mais popular da rotina carioca: o Funk inveterado de cada dia, com DJs ou MCs, e o Rock que era a nova sensação do momento. Inusitado ou não, deu certo. Era por volta de 2003 quando a primeira edição aconteceu. DJ Malboro agitou a pista, Sracho abriu para os amigos Dibob e Forfun. Os presentes contavam em 5.000 pessoas. O número impressiona, mas numa outra ocasião da mesma festa, dessa vez com Detonautas, Forfun, Darvin e MC Marcinho no antigo ATL Hall, a marca foi de 8.000. A mesma quantidade esteve no Claro Hall, deixando ainda 2.500 pessoas do lado de fora — segundo Guilherme, a maior recorde de público da história do lugar. No Hard Rock Café, mais de 2.000 ingressos já estavam no esgotados com 15 dias de antecedência. É de tirar o fôlego.

Já o Rio Rock Tour saiu da cabeça do empresário Rafael Brahma, 34 anos. A história de certa maneira se repete, pois Rafael também tinha por costume produzir festas, mas, impedido pela idade, pegava emprestada ou alugava casas dos próprios amigos até que pudesse frequentar casas noturnas, e então rodou a cidade por boates como Prelude, Studio 54 e Baronetti. Os eventos que ele produzia estavam mais voltadas para ritmos pop e eletrônicos, mas o rapaz se percebia musical desde cedo e por isso ouvia de tudo, inclusive bandas de Pop Punk. Empolgado com o que estava acontecendo a sua volta, entendeu que não seria difícil usar a mesma estrutura das suas festas para diversificar um pouco. Porém, ao contrário da Rio Summer Nights, a ideia sempre foi trabalhar apenas com o Rock. Por volta de 2003, criou a marca e entrou em contato com o Claro Hall — casa de espetáculos que anteriormente se chamava ATL Hall, mas foi criada originalmente como Metropolitan. Já se chamou Citibak Hall, voltou a ter o nome inicial por um tempo, e hoje atende por Km de Vantagens Hall.

A proposta era trazer grandes bandas como atração principal, e dar às menores a oportunidade de abrir o festival. Esses iniciantes cobravam cachê bem mais baixos que artistas de mais tempo de estrada, entre $300 e $1.000 no máximo, quando não apenas o custo da viagem. Assim, na primeira edição, CPM 22 foi anunciado como o ponto alto da noite. A casa estava cheia, como sempre seria dali em diante, com 8.000 pessoas. Mas a surpresa para Rafael, e provavelmente para muitos, foi que a empolgação de mais da metade dos que lá estavam aconteceu quando Forfun subiu ao palco. Quando finalmente chegou a vez dos paulistas, o público já estava se dispersando. Já na estreia o empresário percebeu que as bandas tidas como “menores” não eram tão pequenas assim na verdade.

O Rio Rock Tour acontecia em média três vezes por ano e tinha mais de oito horas de duração. Começava às 16h e entrava pela madrugada até pelo menos 2h da manhã. No palco chegavam a passar quase 20 bandas. Rafael lembra que era curioso ver jovens formando filas gigantes horas antes do show começar, num sol vigoroso das tardes do Rio de Janeiro, vestindo

roupas pretas ou menos coloridas, dependendo de quem estivesse se apresentando no dia, esperando para ficar horas confinado em um espaço fechado assistindo seus mais novos ídolos. Para ele, o espanto nunca foi a quantidade de gente que era capaz de movimentar, e sim o fato de que ninguém mais estava enxergando a proporção do que acontecia. “As gravadoras, por incrível que pareça, estão sempre atrás de quem está na rua. Eles têm que fazer tanto a roda girar que ficam ali presos no mundo hipnótico deles, e aí você que está na rua sabe o que está para acontecer, qual será o próximo movimento, eles não. Como gravadoras milionários, multimilionárias, não conseguem ver esses artistas antes da gente?”.

Depois de 21 edições no mesmo lugar, aproximadamente sete anos de sucesso de bilheteria, o evento chegou ao fim quando o empresário vendeu sua parte na produtora e seus sócios, por motivos que ele desconhece, não desejaram seguir em frente. Ainda enquanto estava bombando, Rafael observou que o marketing que ele fazia para os grupos era o mesmo que para suas produções, um alimentava o outro. Em pouco tempo fez a transição de produtor de eventos para empresário de banda, e pelo gerenciamento dele passaram Darvin, Strike, Forfun, NX Zero e outras. Por essa facilidade, conseguiu que grupos transitassem entre Rio e São Paulo, fazendo com que as bandas daqui abrissem para as de lá e vice-versa – esquema parecido com o qual Guilherme também propôs no decorrer de sua trajetória.

Nesse processo, Brahma descobriu que realmente amava trabalhar com música. Mais do que o simples entretenimento de suas festas, estava encantado com o que ele podia fazer com ela e o que ela podia fazer com a vida das pessoas. Não é de se espantar que continue nos dias de hoje empresariando artistas (a banda Melim faz parte do seu cast) e tenha duas gravadoras além de uma agência de marketing musical. Guilherme Araújo, por outro lado, trabalha atualmente com produtos sustentáveis e realiza eventos apenas nessa área. Apesar de também ter sido empresário de Forfun e Scracho, não se envolveu tanto, mas guarda boas recordações. “Eu me deixei levar por esse movimento. Torcia muito, cantava as músicas. Não por que eu me identificava com as letras, ou com as músicas, é que existia uma energia, uma atmosfera que te arrebatava. Eu gostava de fazer parte daquilo, me sentia muito orgulhoso de ver aquilo acontecendo. Era quase como uma mágica”. O formato criado pelos dois foi multiplicado por diversos bairros do Rio de Janeiro, entre todas as Zonas possíveis, com nomes diferentes em cada lugar.

Crédito das imagens: Pixabay License

*Texto construído a partir do Trabalho de Conclusão de Curso (TCC) intitulado “Esse tal de Riocore: uma grande reportagem sobre o cenário Pop Punk e Hardcore carioca dos anos 2000”, apresentado em dezembro de 2018 à Universidade Veiga de Almeida.

A origem do termo e outras discussões

Como é possível notar, o solo estava fértil para os que estavam abaixo dos 20. Eles eram os personagens principais das histórias que eles mesmos inventavam. Se não tomavam o palco, se mantinham nos bastidores. Vocalistas, guitarristas, baixistas, bateristas. Produtores, promoters, fotógrafos, fãs. Todos no ápice da juventude, tentando se descobrir e fazer disso uma grande descontração. Quando não tinha um promoter que comprasse a ideia, eles mesmos se organizavam ligando uns para os outros porque estavam determinados a fazer acontecer. Ao mesmo tempo, alguém já estava observando de longe. Um senhor, a quem eles chamariam de “coroa”, que sabia descobrir no meio do barulho qual seria a nova aposta, que tinha como prazer observar para onde se encaminhava a cultura urbana das gerações posteriores a sua. Luiz Carlos Rosa, definido por muitos como louco – no mais nobre sentido, um “maluco beleza” – é a quem se atribui, quase que unanimemente, a responsabilidade da criação do termo Riocore.

Luiz vive hoje, aos 59 anos, em um sítio no sul de Minas Gerais criando cachorros. Resolveu dar um tempo da agitação dos shows que produziu, mas lembra bem das histórias que viveu nos bastidores. Inclusive, foi mesmo por trás dos palcos que ele deu os primeiros passos na música. Começou como contrarregra na primeira edição Rock In Rio, evento histórico de 1985, depois passou pelo Hollywood Rock e o Metropolitan. Na produtora do irmão, trabalhou com Dani Carlos, Leila Pinheiro, Luiz Melodia, e organizava turnês de ex-participantes do reality show Fama, da Rede Globo. Depois de um tempo aquilo não lhe dava mais satisfação e foi atrás de coisas diferentes. Frequentador da Casa da Matriz, em Botafogo, ficava de olhos e ouvidos atentos à cena independente. Apesar de ser mais velho, gostava da “atitude da garotada”.

Quando olhava mais de perto os eventos, dizia para si mesmo “Isso não é show, isso é festinha”, pois os equipamentos eram de péssima qualidade. À vista disso, criou uma produtora que intitulou X Music, e com o nome dela movimentou diversos eventos, entre eles X Music Ao Vivo, para ajudar a promover as bandas cariocas relacionadas ao Hardcore, Pop Punk e outros gêneros. Sempre fez questão de colocar camarins bem equipados, as melhores aparelhagens de som que era capaz de conseguir, e bons roadies, profissionais que apoiam a montagem e desmontagens dos palcos e oferecem todo suporte técnico no momento de testar os instrumentos – um deles era o baterista Bira da banda Vitória Régia, que acompanhava o cantor Tim Maia. Luiz lembra que os “meninos” ficavam loucos quando viam Bira tocando ou quando se deparavam com a estrutura dos eventos como um todo, já que não estavam acostumados.

Os maiores empresários do momento, para ele, eram de fato Guilherme Araújo, Rafael Brahma e Marcos Sketch, que está hoje com o grupo Braza. O problema é que, depois de um tempo, o que ele descreve como “conduta política” passou a atrapalhar: novos festivais surgiam nas mãos desses então jovens agenciadores, virando de alguma forma seus concorrentes, pois Forfun só tocava no Rio Summer Nights com Guilherme, que os estava empresariando, da mesma forma que Darvin só acompanhava o Rafael. “Eu era bem mais velho e mais acostumado, os mais novos pensavam diferente. Eu fazia por amor, por prazer, os outros só pensavam em dinheiro”, reclama. Mesmo assim, ressentindo-se de certa forma pelo que considera uma traição, não desmerece o trabalho deles, e de outras pessoas, e segue tecendo elogios e confessa também que aprendeu muito com a nova geração sobre as novas formas de divulgação por meio da internet.

A atividade não durou mais que três anos, mas deu tempo de, em 2005, chegar ao Circo Voador. Na sequência, se apresentaram Catch Side, Emoponto, Ramirez, Scracho, Asterisco Zero e US 4 fechando a noite. Até ali, os eventos se concentravam mais na Zona Sul do que no Centro, e talvez por isso a quantidade de público não chegou perto de lotar a casa – apenas um terço da capacidade de 3.000. Mas pela resenha publicada no site Punknet na época, nem as bandas nem o público se intimidaram, estavam curtindo tanto o momento que garantiram um dos melhores shows do ano. A festa levou o título de Circo Riocore e foi a primeira vez, pelo que os músicos lembram, que o termo foi usado comercialmente. Os artistas estranharam um pouco, mas não ao ponto de rejeitarem o nome ou discutirem por isso. A ideia nunca foi comprada por eles, Rosa percebeu isso, mas nenhum dos lados fez questão de reclamar.

Essa é a versão que a maioria conta. Não sabem de onde veio o termo, mas ouviam aqui e acolá alguém mencioná-lo. Apenas uma pessoa, não sem antes fazer mistério, chama para si a responsabilidade: “Fui eu que criei”. Rodrigo Costa, 38 anos, baixista e vocalista da banda Forfun, explica: “Vinha querendo achar algum termo para caracterizar melhor aquele tipo de som que fazíamos, e me inspirei em abreviações como SPHC (São Paulo Hardcore) e NYHC (New York Hardcore). Mas não éramos Hardcore, estávamos mais para o Pop Punk em termos de colocação dentro do universo Punk Rock, creio eu, e tínhamos algumas características próprias de um certo tipo de ‘rock de bermudas’, mais praiano, mais do Rio. Então era um ‘hardcorezinho’ pop do Rio, um Riocore. Começamos a usar em comunicações nas redes sociais com o Forfun em um post ou outro, e logo depois já tinham festas com esse nome, bandas caracterizando-se como parte do segmento. Acabou que ficou”.

Ficou, mas não muito. Do mesmo modo que nem todos os artistas tomaram conhecimento, ou se lembram, de que a façanha da expressão teria vindo de Rodrigo, não existe um consenso sobre o que Rio tinha que os outros não tinham. Afinal, se não era exclusividade da geração anos 2000 aderir a essa variação do Punk, menos ainda da cidade. O gênero emergia

também em outras regiões do Brasil, grandes ou pequenas, e essa tentativa de dar nome a uma cena local, em criar uma identificação particular, leva a outro questionamento: “Qual a diferença do Riocore para o ‘Sampa Core’ ou ‘Porto Alegre Core’, sabe?”. É a pergunta que sempre esteve na cabeça de Thiago Calviño, baterista da banda Asterisco Zero, e de amigos do meio. “A gente que estava lá desde o início não queria muito isso porque vira uma panela. Maneiro, ficou marcado como um movimento que rolou na época. Mas na verdade, quando você pensa em cena de bandas independentes, você não quer se distanciar das outras pessoas. Isso não é legal. O legal é tocar com todo mundo”.

No entanto, ele concorda que, em determinados pontos, é possível que não seja exatamente o mesmo tipo de som. Tomando por exemplo o NX Zero, de longe a maior banda paulista na época, talvez não combine tanto com o Forfun, mas com o próprio Asterisco Zero quem sabe exista um paralelo. A Fresno, grande expoente das bandas sulistas, provavelmente não conversa tão bem com o Dibob quanto o Cueio Limão, do Mato Grosso do Sul. De qualquer forma, a comparação com São Paulo é sempre mais forte. Existe um duelo histórico e cultural entre as metrópoles, algo que precede os músicos. Para Mateus Simões, 36 anos, baixista da banda Phone Trio, a divisão é mais ou menos assim: “São Paulo é urbano, cimento, concreto. Rio é sol, mar, areia”. Para ele a questão geográfica afeta muito, pois percebe que as cidades litorâneas tendem a lançar propostas mais alegres, “para cima”. “Mas em questão de público, a gente perde. A galera do Rio adora, se amarra, mas se for para a praia e ‘morgar’, eles não vão no show à noite, nem com ingresso comprado. Não é por gostar menos e sim por ter atividades diferentes. É outro ritmo. O público paulista é muito mais fiel”.

O Emoponto, que o baterista considera a banda mais paulista de origem carioca, não teve aqui seu maior público. Lá eles eram astros, na cidade natal chegaram a pedir para abrir shows algumas vezes. As causas podem ser desde o vestuário dos rapazes, predominante preto e nada colorido, até uma identificação musical própria do local. Mas essa é uma questão particular do grupo. Quando Daniel Ferro pensa no geral, percebe a própria falta de estrutura da cidade para fortalecer cenas de Rock, pois a maior dificuldade é encontrar lugares tão bons quanto dispõem os bairros paulistas. “Aqui no Rio era um puteiro em Copacabana que desativou e a cafetina de lá liberava para fazer show, que era o Casarão Amarelo. Tinha o Beco da Bohemia, meio que um bar desativado que a galera usava porque o cara de lá via que dava dinheiro e deixava. O Garage nunca foi point mesmo da galera porque não era bem localizado”.

Fora todo esse debate, é imprescindível dizer que sem o advento da internet, nada ou muito pouco teria acontecido. O circuito, em nível nacional, foi construído de modo totalmente independente – mesmo que uma ou outra banda tivesse entrado no cast de uma gravadora em

algum momento da carreira, foi apenas uma passagem. Nesse sentido, não tinha nada de incomum em comparação às cenas anteriores: produzir discos por conta própria, sem qualquer patrocínio para o que quer que fosse, e batalhar para vender o trabalho em shows ou conseguir parcerias em lojas especializadas no segmento relacionado, como as lojas de skate e surf no presente caso. O músico Lobão, no tempo em que decidiu seguir sem gravadora, usava de bancas de jornal para comercializar seus álbuns, feito inusitado e bem-sucedido. Ou seja, o meio artístico sempre encontrou uma maneira de “dar um jeito”, e seguir esse caminho não necessariamente se relacionava à qualidade, baixa ou alta, ou até mesmo uma escolha. Para alguns, era mais uma contingência. A única alternativa possível quando a rota convencional não deixava brechas.

Acontece que, nos anos 2000, o período era de transição. A indústria fonográfica passou a terceirizar seus serviços e já estava fragmentada em poucas grandes gravadoras e muitas pequenas e independentes, não raro mantidas como selos dos conglomerados, seus laboratórios de novas tendências. E se as implicações da pirataria deixavam empresários e artistas com a pulga atrás da orelha, a internet veio para mostrar que isso ainda não era nada. Com a chegada das plataformas digitais, dos sites e programas de download ou streaming, a distribuição das músicas ficou mais barata e de amplo alcance. Se trata dos primórdios do mp3.com, Napster, MySpace. Dessa forma, um usuário disponibilizava seu arquivo pessoal e um outro o adquiria, e este passava a um amigo, que depois transferia para um terceiro e continuamente nessa dinâmica até formar toda uma rede de compartilhamento, por computador ou celular – trocar arquivos através de ICQ, MSN e Bluetooth era uma moda.

Anos atrás, isso era uma grande novidade, sobretudo para a música. A facilidade representou certa descentralização da produção musical, uma subversão dos valores que indicava democratização da arte. As primeiras, então, a se fazerem valer dessa transformação eram elas, as novas bandas de Hardcore e Pop Punk. A banda Biquíni Cavadão, ao contrário, ainda que tenha sido pioneira entre seus contemporâneos a entrar nesse universo, fazia parte de um contexto diferente, de uma geração anterior. Eles perceberam a necessidade em fazer essa passagem, mas seu público tinha dificuldades em dialogar com o formato, não eram nativos como seus sucessores. “Na nossa época, quando começamos a pensar em compor, foi quando começou a aparecer para o mundo músicas do mundo. Tivemos acesso a certos estilos musicais que não tocavam na rádio aqui, de bandas bem jovens, com uma conceituação muito livre. Foi quase que uma substituição daquela música que dependia de gravadora e que todo mundo tinha que ser muito bom porque a peneira era grande. Músicas que, muito sinceramente, eram até mal tocadas. Tanto por eles quanto por nós. A internet globalizou um pouco e difundiu tudo de uma

forma que foi muito bom para a gente”, lembra o baixista Caio Correa, 31 anos, da banda Scracho.

Com este veículo, a distância do público se tornou ainda mais curta. Por intermédio das primeiras redes sociais, a interação atingia níveis desconhecidos. Mais uma vez é importante lembrar que hoje essa realidade é totalmente comum, mas naquele momento se vivia uma fase de experimentação. Antes do Facebook e do Orkut, as páginas mais movimentadas eram as do Fotolog. Por lá eram divulgadas agendas de shows, gravações, novidades, histórias de bastidores, textos, músicas, imagens, vídeos. A sensação de conhecer seus ídolos de perto, na intimidade, começava com esses protagonistas. Os próprios fãs se confundiam entre consumidores e produtores, pois publicavam seus registros de eventos em que estiveram e até suas versões de clipe com bonecos de palitinho ou fotos pessoais. O ambiente colaborativo característico do século 21 estava inaugurado.

Desde aquela época dos saraus, as bandas desse ciclo foram frequentemente qualificadas como “bandinha”, mesmo pelas pessoas que gostavam, possivelmente por toda esse histórico colegial com admiradores adolescentes. “Não acho que as pessoas que chamavam assim tivessem intenção de falar de forma pejorativa. Mas sem dúvida, para quem não conhece, para quem está de fora, é como se fosse uma coisa menor. NX Zero sem dúvida começou como uma bandinha. Toda banda começa pequena, tocando numa garagem, num estúdio ruim, e quando ela ganha credibilidade ela vai se tornando grande, isso é um processo natural”, opina Pedro Burgos, 31 anos, vocalista da banda Offline. Caio concorda, e acrescenta ainda que esse preconceito vinha de pessoas que não conheciam o trabalho deles, e que nem estavam interessadas em conhecer; era a crítica pela crítica. “Realmente, eu comecei a tocar com 14 anos, então a galera que pegar o meu primeiro disco vai ouvir uma banda de garotos de 14 anos. Mas aí chegou um momento em que eu tinha 28 e galera achava que era a mesma coisa. Então essa era a única taxação que me incomodava”.

Thiago Calviño também traz uma resposta na ponta da língua: “Depende de quem vem a crítica, né? Aí as vezes alguém que está no Leblon, fumando charuto e ‘nossa, isso não é cultura musical’. Isso não é cultura musical sua! Se você for abrir uma padaria, sempre vai aparecer alguém falando que o seu pão é ruim. Se você não acreditar que alguém vai lá comprar o seu produto todo dia, você não vai vender pão. É mais ou menos isso”. Esse preconceito tentava se justificar na possível imaturidade dos integrantes. Jovens demais, bobos demais. Até poderia ser, de fato, já que no início atingiam a marca dos 18 anos de idade. Daniel Ferro, no entanto, oferece outro ponto de vista. “Acho que o mais certo é espontaneidade. O Rock é espontâneo em qualquer estilo que seja. Você pega uma guitarra e não sabe tocar, só vê o cara

fazendo, aí tenta aprender sozinho. Baterista aprende tocando no sofá só com um par de baquetas, e se bobear nem tem baqueta. É espontâneo. Você quer fazer. E isso tem uma ‘tosquice’ que faz parte. E eu acho que era essa motivação, foi isso que cativou o público”.

*Texto construído a partir do Trabalho de Conclusão de Curso (TCC) intitulado “Esse tal de Riocore: uma grande reportagem sobre o cenário Pop Punk e Hardcore carioca dos anos 2000”, apresentado em dezembro de 2018 à Universidade Veiga de Almeida.